現代電影鮮少有一名攝影指導（Director of Photography）能對作品產生難以忽視的影響力，來自墨西哥的艾曼紐盧貝茲基（Emmanuel Lubezki）絕對就是其中一人，這位奧斯卡最佳攝影三連霸得主，以他獨特的攝影美感、哲學與技巧，征服了廣大的影迷，使更多的觀眾注重電影攝影的重要性。而在睽違了 5 年之後，盧貝茲基與金獎製造機大衛歐羅素（David O. Russell）合作，帶來他的全新長片攝影作品《阿姆斯特丹》（Amsterdam），趁著機會，一起回顧他制霸的原因。
艾曼紐盧貝茲基，綽號 Chivo ，出生於墨西哥的墨西哥城，他在就讀墨西哥國家電影藝術學校時，認識了他生涯中最重要的工作夥伴 — 艾方索柯朗（Afonso Cuaron），兩人一同創造了數部經典作品，包括了《你他媽的也是》、（Y tu mamá también）《人類之子》（Children of Men）以及《地心引力》（Gravity），此外，阿利安卓 G. 伊納利圖（Alejandro González Iñárritu）、提姆波頓（Tim Burton）、柯恩兄弟（Coen Brothers）與泰倫斯馬利克（Terence Malick）也都邀請過盧貝茲基作為他們的「眼睛」，而為什麼他的攝影風格如此特殊，同時帶有難以複製的模仿的詩意？
艾曼紐盧貝茲基（Emmanuel Lubezki）是當今最受到推崇的攝影指導之一。
做觀眾的眼睛
其實概念很簡單，艾曼紐盧貝茲基作為攝影指導只有一個最終目的 — 沈浸（Immerse），而這也是一個好電影的重要指標，在導演透過剪接推動敘事、演員透過表演觸動情感之外，攝影往往不著痕跡的在觀眾的心中植入了他們進入電影影像世界的大門，盧貝茲基將自己的攝影機對映成觀眾的眼睛，用最清晰、真實、自然的材料，創造成最貼近世界的色盤。
《地心引力》，2013 年
在這個不斷強調電腦特效、後期與燈光的科技環境下，盧貝茲基則是善用自然光的高手，但他的風格也不像寫實主義那樣極端，更像是善於運用自然光的真實；在技巧運用上，避免曝光不足，而是保持還原光影下真正的黑色；使用高畫質、高解析度與細膩度的攝影機，捕捉最貼近肉眼的光線與景色，不過度營造景深，利用背光來創造鏡頭連續性，打燈上多運用負補光來代替複雜的多光源結構，加上足以列入教科書的數個長鏡頭，都可以理解盧貝茲基對於浸入感的要求與執行力。
《神鬼獵人》，2015 年
極具識別度的人物特寫鏡頭
在《神鬼獵人》、《鳥人》以及《永生樹》中，可以看到盧貝茲基對於捕捉自然景色的絕佳品味，但是在人物描繪上，更顯得他身為攝影指導的識別度，甚至可以是擁有作者印記的標準符號，他會使用 14mm 、18mm 、21mm 以及 27mm 的廣角定焦鏡頭作為他的人物特寫，這次在人物眾多、群戲吃重的《阿姆斯特丹》，可以看到他與導演大衛歐羅素之間在光影之間打造這個懸疑荒誕的作品，這次在台灣上映的規格中甚至有 IMAX 影廳，絕對值得到大銀幕感受每一顆艾曼紐盧貝茲基細膩的鏡頭。
盧貝茲基在《鳥人》中有大量用廣角鏡呈現的特寫鏡頭。
《阿姆斯特丹》導演大衛歐羅素如何以他獨特的手法創造鮮明的角色？
從 2010 年的《燃燒鬥魂》（The Fighter）再到2012 年的《派特的幸福劇本》（Silver Linings Playbook），大衛歐羅素創造出了三位奧斯卡表演獎項得主，也一舉幫珍妮佛羅倫斯（Jennifer Lawrence）以 22 歲、歷史上第二年輕拿下奧斯卡最佳女主角，證明他撰寫人物角色的能力；然而回顧他過去的電影，也都可以發現所有的故事都是以角色出發，他自己表示，在劇本撰寫的技巧上就是來自角色本身，他對於人性的瘋狂但鼓舞人心、醜陋但幽默的衝突元素深感著迷，他的人物互動會參雜不滑稽的幽默，在於如果將角色保持在真實與誠實之中，這些光譜就會自然而然地被展露出來。
《派特的幸福劇本》兩位男女主角都在自我掙扎與懷疑中，作為浮木找到彼此。
《阿姆斯特丹》同樣有一個顯而易見的群戲編排，但電影類型確實讓人難以定義，它神秘、驚悚、犯罪，甚至有不少喜劇元素，「大衛的多數電影都在講述一個議題，關於一個人如何面對生活的逆境，」克里斯丁貝爾表示，「他們如何克服它，同時從中感到愉悅，再次熱愛生命，在每一天的日子中重新創造其價值。」
克里斯丁貝爾再次與導演大衛歐羅素合作。
然而，就算集結了亮眼的全明星卡司，《阿姆斯特丹》的故事大綱反而相當簡單，描述兩名軍人與一名護士成為了好友，但是他們同時陷入一場謀殺的指控中，在抽絲剝繭證明自己清白的同時，也發現了更讓人驚訝的陰謀真相。然而我們可以期待導演大衛歐羅素如何將時代背景也作為角色編排，在那個華麗、自我懷疑、批判又充滿全新希望的爵士時代（Jazz Age），與社會問題延伸的禁酒時期交織成一個美麗迷人待解的電影世界。
《阿姆斯特丹》眾星雲集。